Millennium Actress (2002)

La película, Millennium Actress, dirigida por el famoso director de anime Satoshi Kon, conocido por sus películas Paranoia Agent y Perfect Blue, entre otras, nos relata la vida de una actriz de cine japonés. Esta película, galardonada con varios premios, está inspirada en la vida de la actriz japonesa Setsuko Hara.

Un director, Genya Tachibana, desea hacer un documental de la vida de una famosa actriz, Chiyoko Fujiwara. Durante su juventud, Chiyoko alcanzó la fama como actriz de películas japonesas; sin embargo, hoy en día está retirada por su edad avanzada y vive aislada de la atención pública y de los medios de comunicación. Aun así, Chiyoko acepta relatar su vida al director como un favor excepcional.

Su relato comienza en Japón, antes de la Segunda Guerra Mundial. Chiyoko, entonces una joven adolescente, ayuda a un artista buscado por la policía japonesa. Durante su breve encuentro, Chiyoko se enamora del artista; sin embargo, él deberá abandonar rápidamente la ciudad para poder huir.

Antes de irse, el artista entrega a Chiyoko como recuerdo una pequeña llave muy importante para él. Con la esperanza de reunirse con él y devolverle la llave, Chiyoko decide convertirse en una actriz, lo que le dará la oportunidad de viajar a muchos sitios y tendrá la posibilidad de encontrarle. La película nos narra cómo Chiyoko intenta devolver la llave al artista mientras trabaja como actriz en varias películas.

El argumento de Millennium Actress es, francamente, bastante básico y nada especial. Sin embargo, la forma de desenvolver la trama convierte la película en algo realmente excepcional. La protagonista, Chiyoko, relata su vida a través de escenas de sus películas, en vez de usar flashbacks. Las escenas de las películas se ambientan en varias eras del Japón, desde la Edad Media hasta una era futurística. De esta forma, se difuminan las barreras entre realidad y fantasía en esta película. Además, el personaje del director interviene directamente en los relatos de Chiyoko, interpretando a varios personajes típicos de esas épocas que ayudan a la protagonista a superar sus dificultades.

Por muy típico y cliché que sea el argumento, la película consigue transportarte perfectamente a la imaginación de la actriz y a la historia de Japón. Millennium Actress saca todo lo bello y a la vez, oscuro de las épocas del Japón con sus efectos visuales, sin desviarse un momento de la historia. La pasión de los personajes va aumentando poco a poco, dejándote con una sensación agradable nada más terminar la película.

Puntuación: 8.5/10

La vida de Brian (1979)

¡Hola a todos! Siento mucho no haber podido actualizar esta semana, he estado muy ocupado. Supongo que la universidad es más importante que el blog. Pero ya he vuelto y les dejo con una crítica de La vida de Brian.

La vida de Brian es el tercer largometraje producido por el grupo británico Monty Python, su más famoso, pero, a la vez, su más controvertido.

La película, una parodia de la vida de Jesucristo, se centra en Brian, que nació el mismo día que Jesús, y con el que los personajes de la película suelen confundir. Su idealismo y odio por los romanos le lleva a unirse al «Frente Popular de Judea», una organización secreta que intenta acabar con la ocupación romana. 

La parodia de la película es su mejor elemento pero a la vez, el más controvertido. Mucha gente ve la película como una burla a la vida de Jesucristo, aunque ésa no fue nunca la intención de los creadores. Con el  «Frente Popular de Judea» de la película, los creadores querían criticar a algunos grupos políticos, que frecuentemente desviaban la discusión a temas de poca importancia. Pero sobre todo criticaba a la gente en general, especialmente a los seguidores, y como pueden malinterpretar algunas cosas en su búsqueda por una mayor seguridad en sus vidas. 

Aunque la película es estupenda, no puedo recomendarla a todo el mundo. Aunque La vida de Brian tiene buenos personajes, buena historia y unos chistes fantásticos, también tiene unos efectos especiales pobres, unos visuales nada especiales, y pocos actores para suplir todo el elenco de personajes; de hecho, casi todos los personajes de la historia están interpretados por los seis miembros del grupo. Monty Python siempre ha tenido poco presupuesto para realizar sus producciones y todas las han hecho ellos solos; esto puede distraer bastante a los que no conozcan a estos comediantes británicos, y no podrán disfrutar mucho de la película. 

Sin embargo, a pesar de sus problemas, es una gran comedia, tiene buenos actores, una buena historia y sobre todo, unos chistes magníficos que solo Monty Python podía crear.

7.75/10

Y con esto me despido. ¡Hasta la semana que viene! Y recordad: Always look on the bright side of life!

Batman (1989)

Después del éxito de los comics The Dark Knight Returns y The Killing Joke, la productora Warner Brothers estaba interesada en crear una adaptación más adulta y seria de Batman, y alejarse de la anticuada serie de televisión de Adam West. Para realizar esta hercúlea tarea, contrataron al director Tim Burton, que en 1989 estrenó la película Batman.

Muchos fans del caballero oscuro quedaron muy satisfechos con la película. Ninguna otra película de entonces tenía un aspecto tan oscuro ni un tratamiento tan adulto como Batman. El desarrollo de su historia y sus personajes supuso una gran diferencia con la serie de Adam West, y sentó las bases de otras películas de superhéroes. Es considerada junto con las películas de Christopher Nolan como una de las mejores adaptaciones de Batman, o incluso de cualquier superhéroe. Pero a pesar del impacto que causó entonces, ¿se mantiene tan bien como hace dos décadas?

Argumento.

La ciudad de Gotham está controlada por los criminales, liderados por el jefe criminal Carl Grissom y su mano derecha Jack Nipier. A pesar de los esfuerzos del jefe de policía Gordon y el nuevo fiscal Harvey Dent, la criminalidad de la ciudad no mejora. Mientras tanto, circulan rumores de un misterioso vigilante que ataca a los criminales por las noches, y los reporteros Alexander Knox y Vicky Vale deciden investigar esos indicios.

Batman vs. Joker

La interpretación de Michael Keaton como Bruce Wayne/Batman es soberbia. En la película, Bruce consigue ocultar el dolor por la muerte de sus padres y las responsabilidades que le conlleva ser un superhéroe. Sin embargo, en algunos momentos de la película muestra al espectador de manera muy sutil sus emociones. Dentro del traje es, de hecho, mucho más intimidante que otras adaptaciones de Batman.

El Joker es interpretado por Jack Nicholson. Prácticamente todo lo que toca Jack Nicholson se convierte en oro, y ésta no es la excepción. Sin embargo, aunque su trabajo  en la película es sobresaliente, el Joker que interpreta pertenece a la vieja escuela. Mientras que otros jokers más modernos, como Heath Ledger en The Dark Knight, deciden mostrar el lado oscuro del personaje, Jack Nicholson decide darle más ventaja a la cara cómica. No lo hace hasta extremos desagradables o infantiles, pero desde luego desanimará a algunos fans de la variante actual del Joker. Sin embargo, eso depende de la opinión del espectador. El espectador tendrá que decidir si le gusta un Joker más cómico y tradicional, o un Joker más oscuro.

La ciudad de Gotham.

Siendo Tim Burton el director, lo más esperado  serían unos efectos visuales oscuros y estilizados para la película. A pesar de que los efectos de Tim Burton no son tan góticos como los de otros trabajos suyos, por ejemplo Nightmare Before Christmas, se nota el esfuerzo que puso en desarrollar la ciudad de Gotham. La música orquestral de Danny Elfman acompaña perfectamente a los efectos visuales y le da un ambiente épico a la película.

Sin embargo, los efectos especiales de algunas escenas no han envejecido bien. Algunas veces se nota que los edificios son maquetas, o que el movimiento de algunos personajes u objetos está animado por stop-motion. No obstante, estos errores son poco frecuentes, y no afectan mucho a la atmósfera oscura de la película.

Conclusión.

Lo bueno:

• Su ambiente oscuro
• Los actores principales.
• Los decorados y la música de Danny Elfman.

Lo malo:

•  Algunos efectos especiales desfasados.

PUNTUACIÓN GLOBAL: 8/10

MUY RECOMENDABLE

Cisne negro (2010)

Del director Darren Aronofsky nos llega Cisne Negro, ganadora del Óscar 2010 a la mejor actriz por Natalie Portman y nominada a otras cinco categorías, entre las que se encuentran mejor película y mejor director.

La protagonista, Nina, (Natalie Portman) es una ambiciosa bailarina que trabaja en una compañía de Nueva York. Ella vive en un pequeño y modesto apartamento de Nueva York con su madre, Erica (Barbara Hershey), que renunció a su carrera de bailarina cuando se quedó embarazada de Nina. El mayor deseo de Nina es conseguir un papel protagonista en la obra de El lago de los cisnes. La dura relación entre Nina, su jefe y sus compañeras de trabajo, junto con su obsesión por la perfección en el baile son el centro de esta película.

El  foco principal de la película es Nina. La película nos la presenta como una persona ambiciosa y perfeccionista. El foco de su vida es su profesión de bailarina, y su vida social se ve perjudicada por ello. Esto, unido al asentamiento de su madre en su casa, la lleva a un estado de depresión que Natalie Portman interpreta de manera sobresaliente.

Los personajes, a pesar de ser ligeramente estereotípicos, están bien desarrollados y son muy interesantes. Las relaciones entre ellos son, generalmente, bastante sutiles. Es especialmente interesante la relación entre Nina y Lily (Mila Kunis), la nueva bailarina de la compañía. Las personalidades de ambas son como dos polos opuestos. Nina es introvertida y trabajadora, mientras que Lily es más extrovertida y despreocupada.

No obstante, la película tiene algunos problemas. Uno de los más importantes es el argumento, que es bastante predecible. Sin embargo, la película utiliza métodos para mantenernos interesados y arroja bastantes giros argumentales para mantener al espectador en vilo durante toda la película.

Como conclusión, Cisne Negro es una película magnífica, con una Natalie Portman como se ve pocas veces en una película, unos personajes interesantes y bien definidos y un argumento que, aunque pueda ser un poco predecible, tiene una gran complejidad y mantiene el interés del espectador.

8.5/10

Hugo (2011)

Del afamado director Martin Scorserse nos llega Hugo, su primera película en 3D y una de las favoritas para los Oscars. La película está basada en la novela La invención de Hugo Cabret, de Brian Selznick, y nos sitúa en el París de los años 30.

El protagonista, un huérfano llamado Hugo, vive en la estación de tren de París manteniendo el reloj. Su padre, un relojero, murió por un incendio producido en un museo; por lo que Hugo queda bajo la tutela de su tío, un  relojero borracho que se encarga del mantenimiento del reloj de la estación. Sin embargo, un día desaparece sin rastro y Hugo se queda solo.

Antes de morir, Hugo y su padre estaban reparando un autómata que tenía la habilidad de escribir. Después de su muerte, Hugo cree que debe continuar arreglando el autómata por la memoria de su padre. Para ello, se sirve de una libreta que su padre le dejó con indicaciones para arreglarlo. Por desgracia, en una disputa con un vendedor, pierde la libreta y tiene que recuperarla. Hugo contará con la ayuda de la hija del vendedor, Isabelle, para recuperar la libreta y reparar el autómata.

Uno de los puntos positivos de esta película son sus efectos especiales y sus efectos visuales. Los colores brillantes y los enormes decorados sitúan a la película en el perfecto humor y ambiente de fantasía que se intenta evocar al espectador. Durante toda la película aparecen elementos mágicos y fantásticos que, combinados con los efectos visuales, dan a la película una sensación propia de un cuento de hadas.

Hay varias diferencias entre esta película y otras películas familiares. Hugo nos ofrece una gran inocencia con su historia y sus personajes sin rebajarse en ningún momento con chistes pueriles para entretener a las audiencias más jóvenes. La trama se desenvuelve muy cuidadosamente y deja ver su plato fuerte en el momento adecuado, lo que, de hecho, nos ofrece un gran homenaje a una etapa de una forma de arte. Al igual que The Artist, este homenaje no afecta a la continuidad de la película y es relatado de una forma espléndida, poniendo especial énfasis en su capacidad imaginativa.

Concluyendo, esta película ofrece al espectador unos excelentes efectos visuales que van a la par con la riqueza de la historia, y una gran imaginación que entretendrá a cualquier espectador e incluso, sorprenderá a unos cuantos.

8.25/10

NOTA: Es recomendable verlo en 3D.

Låt den rätte komma in (2008)

Låt den rätte komma in (en España y México Déjame Entrar y Criatura de la noche en otros países de Latinoamérica) es una película basada en la novela sueca del mismo nombre y dirigida por Tomas Alfredson. La película tiene lugar en Estocolmo, Suecia, a principios de los años 80. 

El argumento se centra en la relación entre dos personas. Una es Oskar, un niño de doce años. Sus padres están divorciados y pasa la mayor parte de su tiempo solo. La otra persona es Eli, su nueva vecina, quien se encuentra con Oskar en el patio del bloque de apartamentos donde viven. Aunque parezca una niña de doce años, es en realidad una vampiresa de doscientos años de edad. La amistad entre los dos se acaba convirtiendo en una relación romántica.

El argumento de la película es, de hecho, bastante parecido al de Crepúsculo, la película basada en la novela de Stephenie Meyer. Sin embargo, la forma de desenvolver la trama y el desarrollo de los personajes es superior en Låt den rätte komma in. Además, el romance entre los dos protagonistas es más complejo y hermoso.

Los personajes están muy bien definidos y consiguen que te intereses por ellos hasta el final de la película, especialmente los dos protagonistas, Oskar y Eli. Oskar tiene que soportar los abusos físicos de sus compañeros de clase y el abandono de sus padres, lo cual le lleva a un estado de depresión y soledad. Eli, al estar recluida en su casa por su vampirismo, desea conseguir algún tipo de amistad, que encuentra en Oskar. De esta manera, los dos personajes se complementan perfectamente.

Para concluir, queda decir que Låt den rätte komma in es una de las mejores películas de vampiros de los últimos años. No solo ofrece una gran experiencia de terror, sino que da personajes tridimensionales y un romance profundo y realista. La película dejará satisfecho a todo el que lo vea, de principio a final, y hará reflexionar a su audiencia acerca de algunos problemas sociales de la actualidad, que es mucho más de lo que otras películas de vampiros actuales han conseguido.

9.25/10

The Artist

Del director y guionista Michel Hazanavicius nos llega The Artist, un tributo a las películas mudas de principios de siglo y una de las favoritas para los Premios Oscar.

La película tiene lugar en Hollywood durante finales de los años 20. El protagonista, George Valentin (Jean Dujardin), es una gran estrella del cine mudo. Sus películas son grandes éxitos y está siempre rodeado de seguidores,   aunque probablemente es él mismo su mayor fan. Un día, se encuentra con Peppy Miller (Bérénice Bejo), una joven actriz a la que ayuda a impulsar su carrera. 

El actor, desoyendo los consejos de su productor, renuncia a hacer películas sonoras. Como consecuencia, deja el cine y cae en el olvido. Por otra parte, Peppy Miller tiene cada vez más y más éxito como actriz de cine sonoro. 

El argumento de la película es bastante simple, y alguno podría incluso acusarlo de predecible, pero cuenta con mucho encanto una parte de la historia del cine que mucha gente suele olvidar. Nos solemos fijar en personas que consiguieron superar esa etapa con éxito, como Charlie Chaplin o los hermanos Marx. Esta película homenajea a los actores que no pudieron hacer ese cambio.

Un gran elemento de la película son los actores, que se comportan como actores de cine mudo, confiando en las expresiones faciales y la forma de moverse para poder transmitir las emociones a los espectadores. Otro elemento interesante de la película es el uso en una escena del sonido, que expresa de una manera creativa el conflicto que sufre el protagonista.

Concluyendo, esta película cuenta con mucho encanto parte de la historia del cine y a la vez anima a sus espectadores a explorar las películas mudas, recuperando el encanto de esa época con las actuaciones y sus escenarios. Muchas personas, incluso a quienes no le gusten las películas mudas, se sentirán sorprendidas con el gran entretenimiento y arte que esta película les ofrece, y sentirán mucha curiosidad por explorar esa etapa del cine que The Artist les ofrece. 

8.75/10